델러웨어 미술관에는 미국의 사실주의 화가이며 The Eight 의 주요 멤버였던 John French Sloan (1871-1951) 과 다른 The Eight 멤버들 그리고 The Eight 의 멤버는 아니지만 애시캔의 멤버로 활동했던 George Bellows 를 한자리에 모아놓은 전시실이 있습니다. 이 전시실의 작품들중 존 슬로언의 작품들만 모아 봤습니다.
그림 이야기는 나중에,
우선 그림 감상하시지요
그림 사진이 비뚤어진것은...전시장의 한벽이 유리창이었는데, 한낮의 빛이 강해서 빛때문에 유화들이 허옇게 반사가 되는겁니다. 그래서 그 반사광을 피하느라 약간 비뚜름한 각도에서 사진을 찍을수밖에 없었지요. 빛을 피하느라 비뚜러진 것입니다.... 저 위에 전시장 장면 사진 보시면, 오른쪽에서 빛이 강하게 들어오지요...
그동안 The Eight 멤버들과 George Bellows 를 포함한 Ashcan School 화가들을 소개하는 페이지들을 엮었는데요. 페이지들을 엮다보니 한가지 눈에 띄는 현상이 있었습니다. 제가 미술 비평가는 아니므로 뭐 미술 기법이나 뭐 그런 분야는 아니고요. The Eight 구성원들의 '수명'에 관한 것입니다.
미국 사실주의 화가들 (http://americanart.textcube.com/133) 페이지에 작가들을 나열해 놓았는데요.
1. William Glackens (1870-1938) 윌리암 글래큰스 : http://americanart.textcube.com/202 2. Robert Henri (1865-1929) 로버트 헨라이 : http://americanart.textcube.com/197 3. Goerge Luks (1867-1933) 조지 럭스 : http://americanart.textcube.com/278 4. Everett Shinn (1876-1953) 이브릿 쉰 : http://americanart.textcube.com/272 5. John French Sloan (1871-1951) 존 프렌치 슬로언 : http://americanart.textcube.com/201 6. Arthur B. Davies (1862-1928) 아서 데이비스 http://americanart.textcube.com/279 7. Ernest Lawson (1873-1939) 어니스트 로슨 http://americanart.textcube.com/281 8. Maurice Prendergast (1859-1924) 모리스 프렌더개스트 : http://americanart.textcube.com/205 The Eight Member가 아닌 Ahscan School 멤버였던 *. George Bellows (1882-1925) 조지 벨로우즈 http://americanart.textcube.com/198
위의 자료를 근거로 이들의 생몰, 나이를 대충 추려봤는데요
1. Glackens: 68세
2. Henri: 65세
3. Luks: 66세
4. Shinn: 67세
5. Sloan: 80세
6. Davies: 66세
7. Lawson: 66세
8. Prendergast 65세
* Bellows 43세
자 살펴보면, Sloan 이 The Eight 멤버들중에서 가장 장수 했고요. The Eight 의 멤버는 아니지만 Ashcan School 의 걸출한 화가인 조지 벨로우즈가 어이없이 맹장이 터지는 사고로 요절을 하고 말았고요. 나머지 다른 화가들은 대략 66세 안팎의 삶을 살다 갔군요 (그중에 럭스가 술집에서 취객과 다툼을 벌이다가 타박상으로 죽음을 맞이한 것이 안타까운 일이긴 하지만). 이렇게 통계를 내보면, 재미있죠.... 아, 뭐, 혼자 자료를 정리하고 글을 쓰다보면 이런 현상까지 눈에 들어온다는 것이지요. 그래서...어떤 연구를 할때, 연구자는 데이타를 직접 자신이 추리고 관리하고 그래야 합니다. 그래야 그 속 깊이 감춰진 어떤 '현상'들을 손으로 잡아 낼때가 있지요. 이런것은 '과정'에서 발생하는 - 의외의 데이타들이라고 할 만 한데요, 뭐, 그렇다는 것이지요...
자, 다음엔, Social Realism 쪽으로 흘러가봐야겠지요...
2010년 1월 6일 redfox.
Boat House, Winter, Harlem River (보트하우스, 겨울, 할렘 강) c. 1916
Oil on Canvas
2009년 10월 3일 워싱턴 코코란 미술관에서 촬영
미국 사실주의 미술가들 The Eight 의 멤버였던 Ernest Lawson (1873-1939)는 캐나다 노바 스코시아 (Nova Scotia) 태생으로 미국에 이민한 화가 입니다. 뉴욕 Art Student League 에서 수학했는데, 그때 미국 인상주의 화가였던 Twatchman 과 교류하면서 그의 영향을 입었다고 합니다. (Twatchman은, 저도 좋아하는 작가이므로 개별 소개페이지를 장차 만들 생각인데 http://americanart.textcube.com/243 이 페이지에서 그의 설경을 소개한 바 있지요.)
제가 갖고 있는 그의 그림 사진은 코코란에서 찍은 이 것이 유일한데, 아마도 제가 그의 그림에 별 매력을 못 느껴서, 미술관에서 그의 작품들을 그냥 스치고 지나갔을 가능성이 큽니다. 다음에 미술관에 가면 그의 그림을 찾아보겠습니다.
그러니까, 이렇습니다. 저는 서양사람이 그린 '순수 풍경화'에 별 관심이 없습니다. 저는 그림에 '사람'이 들어가있을때 그때 들여다보는 편입니다. 아무 사람도 없이 그냥 풍경화가 제 눈길을 끌기는 어렵습니다. 사람 하나 안보이는데 제가 들여다보면서 '이거 참 좋다'라고 종알거린다면, 그 풍경화는...정말...대단한 작품일걸요...풍경화 안쳐다보고 지나가는 사람의 발길을 잡아끌 정도이니까요. 저의 취향이 그러하다는 것이지요. 미술관에 가서 유럽 인상파 화가들의 작품을 모아놓은 전시장에 가면 Alfred Sisley 라는 화가의 아름다운 풍경화가 반드시 몇점 걸려있습니다. 들여다보면 아슴푸레하고 잔잔하고 좋아요. 시슬리의 풍경화를 보고 있으면 '그리움' 이라는 어휘가 자연스럽게 떠오릅니다. 막연히 뭔가 그리워져요. 내가 기억하지 못하는, 그러나 아름다운 어떤 풍경이 떠올라요. 그렇게 시슬리의 그림들은 아름답습니다. 하지만, 저는 늘 그의 그림들을 보면서 '아름다워...뭔가 그리워...' 하고 지나칠뿐, 시슬리에 대하여 따로 각별한 애정을 느끼진 못했지요. 그의 풍경화에 사람이 안보이고, 그러면 나는 아무런 '이야기'도 구체적으로 떠올릴수가 없으니까요. 예, 아마도 비슷한 이유로 저는 어니스트 로슨의 풍경화가 내 앞을 지나갈때 그냥 '통과' 했을 가능성이 큽니다. 제가 그림에서 원하는 것은 아마도 '이야기' 혹은 '드라마' 인것 같습니다.
예, 어니스트 로슨의 자료를 찾아 보면 그가 유럽 인상주의, 미국의 다른 인상주의 화가들의 영향을 받았고, 특히 시슬리의 작품들과 많이 비교가 됩니다. 붓터치나 분위기가 비슷해요. 로슨은 그가 The Eight 의 멤버였다는 것 외에 그다지 특기할 사항이 있어 보이지는 않습니다. 아무래도 드라마를 좋아하는 제 기호에 부합하는 화가가 아니라서 그럴지도 모르지요.
위의 할렘강변 풍경에서 할렘강은 뉴욕 맨해턴 북부의 할렘지대, 그곳을 흐르는 강입니다. The Eight 가 도시의 풍경, 특히 뉴욕 맨해턴의 풍경을 즐겨 그렸다는 것을 상기해보면, 이 그림의 소재와 The Eight 의 조류가 어떻게 연관되는지 짐작할수 있습니다. 멀리 맨해턴의 고층 건물들이 보이지요.
어니스트 로슨을 마지막으로 The Eight 의 멤버들에 대한 이야기를 마치겠습니다. 앞으로도 관련 화가들의 그림을 새로 발견하면 페이지 업데이트를 지속적으로 해 나갈 생각입니다.
2010, 1, 6, redfox.
펜실베니아 출신의 The Eight 화가 George Luks (1867-1933)는 의사인 아버지와 미술가이며 피아니스트였던 어머니의 슬하에서 유복한 어린 시절을 보냈습니다. 그의 가족이 펜실베니아의 광산촌 가까이로 이사한 후에는 부모님이 가난한 광부 가족들을 돕는 일에 헌신을 하였으며 조지 럭스 역시 이런 삶의 영향을 받아 서민들과 어울리기를 좋아하는 청년으로 성장했습니다.
펜실베니아 아카데미에서 수학한 조지 럭스는 당시의 미술 학도들과 마찬가지로 유럽으로 건너가 런던, 파리를 여행하고, 독일의 뒤셀도르프에서도 생활을 하였는데, 결국 고향인 펜실베니아로 돌아와 Philadelphia Press 에서 일러스트레이터로 활동하면서 역시 일러스트레이터로 활동하던 John Sloan, William Glackens, Everett Shinn 등과 교유하게 되고, 이들과 함께 Robert Henri를 만나게 되는데 결국 이 만남이 The Eight 의 모태가 됩니다.
George Luks 는 당시의 The Eight 멤버들을 위시한 사실주의 화가들과 마찬가지로 도시 대중의 삶을 그렸습니다. William Glackens와는 스튜디오를 함께 쓰며 동고동락 했다고 하는데, 그는 술을 좋아하여 취해 쓰러져 잔 경우가 많았다고 합니다. 결국 그 '술'이 화근이 되어 그를 죽음에 몰아넣게 되는데요. 66세이던 조지 럭스는 술집에서 누군가와 시비가 붙어 주먹다짐 끝에 사망했다고 윌리암 글랙슨스의 아들이 회고록에서 밝힙니다. (공식적으로는 새벽에 그림 그리러 나가다가 문앞에서 쓰러져 사망했다고 발표가 되었지만, 사실은 모르는 취객한테 맞아서 사망을 했다는 것이지요.) 술 좋아하는 사람들이 대개 그러하듯, 그는 인정이 많았고 기꺼이 길에서 만나는 사람들과 친구가 되었으며 빈민가의 사람들과 뒤섞이는 것을 편안해 했다고 합니다. 그래서 그의 그림들을 찾아보면 광부, 걸인등 가난하거나 소외된 대중들에 대한 묘사가 많습니다.
이 그림은 1915년 당시 뉴욕 맨하탄 북부의 풍경입니다. 판잣집같이 자그마한 집들이 옹기종이 모여있는 것이 보입니다.
Upper Manhanttan (맨하탄 북부) 1915
Oil on Canvas
2009년 12월 29일 스미소니안 미국미술관에서 촬영
The Polka Dot Dress (물방울무늬 드레스) 1927
Oil on Canvas 94.0 x 147.4 cm
워싱턴 스미소니안 미국미술관 루스 센터 (Luce Foundation Center)에서 촬영
이 물방울무늬 드레스를 입은 여인의 그림은 루스센터에 다닥다닥 붙어있던 그림들 중에서 제가 발견한 것인데요. 꽃 모자를 쓰고, 흰바탕의 파랑 물방울 무늬의 드레스를 입은 이 여인이 중산층 신분으로는 보이지 않습니다. 투박한 구두, 장갑, 멋대가리 없는 핸드백, 짙은 입술 연지, 그녀가 앉아있는 딱딱한 나무의자등을 종합해서 보면 이 여성이 서민, 일 다니는 가난한 여성으로 보입니다. (이런 설명을 하자니, 영화 '양들의 침묵'에서 식인 살인마가 여 수사관을 쓱 일별하고, 그녀가 온갖 싸구려 옷과 구두 향수로 치장했다는 것을 분석해내는 장면이 떠오릅니다. 우리가 꼭 관상쟁이가 아니더라도, 세상을 살다 보면 어떤 감식안이 생기지요... )
그런데 저 여성의 표정이 참 복잡하고도 심오합니다. 싸구려 옷과 장신구로 치장한 여자가 앉아있는 의자도 푹신한 안락의자가 아닌 딱딱한 나무의자이거니와, 여자가 앉은 자세는 왜 저렇게 엉거주춤한겁니까? 눈치를 보며 엉덩이만 걸친 꼴이라 다리 모양도 세련되게 포개진 것이 아니라 역시 엉거주춤 합니다. 그리고 시선은 살짝 내리 깔았는데요, 그런데 저 표정이 참 애매합니다. 어쩌면 꿈을 꾸는것도 같고, 생각에 잠긴 것도 같은데, 참 보잘것없고 볼품없이 대충 엉거주춤 앉아있는 이 여자의 표정에는 만만치 않은 기운이 도사리고 있습니다. 나, 니네들이 보기에 별볼일 없는 인생일지도 모르지만, 나에겐 아직 꿈이 있고, 그리고 그 꿈을 이룰 젊음과 기운이 있다구....뭐 이런 표정 같기도 합니다. 살짝 시선을 내리 깔고 앉아있는 저 표정만큼은 '여왕'을 압도할만한 기운이 흐르고 있습니다.
Woman with Macaws (앵무새와 여인) 1907
Oil on Canvas
2009년 10월 31일 디트로이트 아트 인스티튜트 미술관에서 촬영
앵무새를 길들이는 여인의 표정이 명랑해보입니다. 앵무새의 붉은 새조가 화면 여기저기에 투영되면서, 한겨울에 보기에 따뜻한 그림이군요. 위의 물방울무늬 드레스의 여자의 표정이나, 이 앵무새 여자의 표정이 태평하고 강인해보입니다. 아마도 조지 럭스의 표정이 이와 비슷했을것 같습니다. 술과 친구를 좋아하고, 길거리에서 사람들과 어울리며 선량하게 관찰하는 화가의 표정.
조지 럭스의 그림을 더 발견하면 업데이트 하기로 하겠습니다.
2010년 1월 6일 redfox.
The White Ballet (흰 발레) 1904
Oil on Canvas
Everett Shinn (1876-1953)
2009년 12월 29일 스미소니안 미국미술관에서 촬영
미국의 대표적인 사실주의 화가들 (The Eight 혹은 Ashcan School)중 한 사람인 Everett Shinn (이브릿 신: 1876-1953) 의 그림입니다.
이 그림은 제가 스미소니안 미국미술관에 갈때마다 지나치면서 눈길을 제대로 줘 본 적이 없습니다. 처음에 얼핏 보니까 '드가' 그림 같더라구요. '드가 그림인가?' 생각하고 가서 들여다보면 엉뚱한 이름이 걸려 있는 겁니다. 그러면 '드가 흉내낸 그림이군...' 이러고 그냥 지나치고 마는거죠. 뭐 발레 그림을 드가만 그렸을까마는, 저의 짧은 지식으로는 발레 그림은 죄다 프랑스의 화가 드가 (Degas) 작품 같은거죠. 발레를 다른 사람이 그리면 드가를 모방한것 같다는 소리나 듣는거죠. 이래서, 뭔가 먼저 잡아서 시작한 사람이 이기는겁니다. 헤헤. (그런것 같죠?) 뭔가 소재를 선택해서 집중적으로 한가지를 파들어가면, 그것이 곧 자기 자신이 되는거죠. 우리가 드가와 발레를 떼어놀수 없게 되는거죠.
아무튼 이 그림은 드가의 그림이 아니고 Everett Shinn 의 그림입니다.
만약에 제가 '미국미술을 공부하겠다'고 작정하고 차근차근 미국의 화가들을 찾아보는 취미생활을 시작하지 않았더라면, 이 그림은 영원히 저의 무시를 당하고 지나갔을겁니다. (가짜 드가그림이라는 딱지를 안고).
Everett Shinn (1876-1953) 은 The Eight 화가들중 가장 나이가 어렸다고 하지요. 그리고 뭐 젊은나이에 잦은 이혼으로 '유명'해진 면도 있는것 같습니다. 프랑스를 여행하며 당시 유럽의 인상파 화가들의 영향을 받은 측면도 있고요. 제 안목으로는 '드가'의 소재를 빌려온 것으로 보입니다. 신문 잡지의 일러스트레이터로 활동을 한 경력도 있습니다. (당시의 사실주의 화가들 대부분이 신문 잡지의 일러스트레이터로 생계를 해결하였으므로 짐작 할 만한 일입니다.)
워싱턴 스미소니안 미국미술관 2층 복도 전시장에 걸린 그림을 순서대로 보면
1. 왼쪽벽 - Henri, 맞은편 (오른쪽벽) - Everett Shinn
2. 왼쪽벽 - Rockwell Kent, 맞은편 (오른쪽) - Glackens
3. 왼쪽벽 - George Luks ....
이런 순서로 걸려 있는데요. 이곳에 The Eight 을 위시한 당시의 사실주의 화가들 작품이 차례대로 전시되었다고 할만하지요. 미술관에 전시물을 설치할때, 전시 기획자는 나름대로 어떤 '논리'를 가지고 그림을 설치했을것으로 보이는데요, 이렇게 모아놓은 것이 타당해 보입니다.
Everett Shinn 의 작품을 제가 자주 보지 못해서 그에 대한 이야기는 이쯤에서 정리하려고 합니다. Everett Shinn 에 대하여 기억할 만한 사항은
1. The Eight 의 최연소 멤버였다는 점
2. 따라서 다른 The Eight 멤버들과 마찬가지로 뉴욕, 도시의 대중의 삶, 역동적인 장면을 잡아내어 그렸다는 것
3. 유럽 인상파 화가들의 영향을 받았다는 것
이정도가 될것 같습니다.
다음에 그의 다른 작품을 '사냥'하면 페이지를 업데이트 하기로 하겠습니다.
2010년 1월 6일 RedFox
Backstage Scean (무대 뒤) 1900
Watercolor and Charcoal on Paper mounted on the Board (종이위에 수채와 목탄화)
2010년 1월 9일 델라웨어 미술관에서 촬영
1900년 작품이니까 Everett Shinn (1876-1953)이 스물네살 청년시절에 그린 그림입니다. 위에 소개한 발레 그림은 1904년 작품이고요. 두 작품 모두 그가 20대때 그린 것이군요. 두가지 작품의 공통점은, 모두 '극장' 풍경이라는 것이지요. 이를 통해서 우리가 알수 있는 것은? 이브릿 신이 무대예술에 관심이 많았다는 것입니다.
그는 극장 인테리어 작업도 했고, 나중에는 영화 감독도 했다고 합니다. 극장예술을 비롯, 예술의 다방면에 관심이 많았던 화가였군요.
2010년 1월 18일 업데이트
프랜더개스트의 얼굴없는 미녀들
Maurice Prendergast (모리스 프렌더개스트, 1859-1924)는 캐나다에서 출생하여 미국에서 성장한 화가입니다. 사실주의 화가 그룹이었던 The Eight (팔인회)의 멤버로 함께 전시회를 가진적도 있긴 하지만, 모리스 프렌더개스트가 남긴 그림들은 '8인회'를 표상하는 '도시' '서민의 삶'과는 다소 거리가 있는 것이었습니다. 그에게는 이미 독특한 자기만의 세계가 있었던 것이겠지요.
가족이민으로 세살때 보스톤에 온 프렌더개스트는 8학년 (중학교)을 마치고 14세의 나이에 '상회'에 취직을 하여 살아가면서 혼자서 그림을 그립니다. 전문적인 미술 교육을 받은 것이 아니라 혼자서 눈앞에 보이는 풍경들을 그리는 정도였겠지요. 20대때는 동생 Charles 와 함께 가축용 배에 몸을 싣고 유럽으로 가서 유럽 여행을 하기도 합니다. 유럽구경을 하고 돌아온 프렌더개스트는 그제서야 '미술공부'를 제대로 해보고싶다는 열정에 사로잡히게 되는데, 결국 '액자' 사업을 하게 된 동생의 후원으로 나이 30에 파리에 입성하게 됩니다. (고호에게 그의 아우 테오가 있었던 프렌더개스트에게는 아우 찰스가 있었다고 할 만 하지요) 그는 파리의 미술학교에서 수학하게 되는데, 학교에서는 '석고상'이나 '대리석상'과 같은것을 그려보라는 지시를 했지만, 그는 밖으로 나가 살아움직이는 사람들을 스케치하는 일에 몰두 했다고 합니다.
제가 미술관을 돌며 수집한 그의 작품들은 모두 '유채화'인데요, 그는 초기에 수채화를 주로 그렸고, 후기에 유채화로 선회했다고 합니다. 제가 본 작품들은, 다 똑같아 보일정도로 테크닉이 유사한데, 화집이나 언라인 자료를 찾아보면 점이나 짧은 선을 이용한 화법의 작품들이 많이 보입니다. (이렇게 경쾌할수가!)
카네기 미술관에 걸려있는 커다란 '소풍 (Picnic)'이란 작품은 얼핏 보기에는 수채화처럼 보입니다. 저는 사실 이작품을 '수채화'로 알고 보고 지나쳤었는데, 글을 쓰기 위해 자세히 들여다보니 유채화라고 나오는군요. Oil on Unsized Canvas 라는 설명문이 있길래, 이것은 무엇인가? 자료를 찾아 봤지요.
우리가 남대문 미술상에 가면 다양한 사이즈의 나무틀에 짜여진 캔버스를 살수가 있고, 혹은 아예 두루마리 캔바스를 통째로 살수도 있는데요. 대부분 이렇게 판매되는 캔버스는 젯소 가공이 된 상태라고 합니다. 헝겊을 그림 그리기에 적합하게 가공을 했다는 뜻이지요. 그런데 Unsized Canvas 란 말하자면 이런 밑가공을 하지 않은 상태를 말합니다. 그러면, 아무래도 캔바스에 표면처리가 되지 않았으므로 페인트가 스며들면서 색다른 효과가 나올수 있겠지요. 그래서 이 유화가 얼핏 보기에 '수채화'같은 느낌이 들었던것 같습니다.
카네기 미술관 전시실 풍경
2009년 11월 촬영
Picnic (c.1914-1915)
소풍
Oil on Unsized Canvas
가공처리 되지 않은 캔바스에 유화
196x271cm
2009년 11월 카네기 미술관에서 촬영
Women at Seashore (1915)
Oil on Panel
43x81cm
2009년 11월 카네기 미술관에서 촬영
위의 피크닉이나 Women at Seashore 모두 비슷한 시기에 그려진 것인데요. 풍경이나 등장인물들의 분위기가 유사합니다.
Salem Cove (1916)
Oil on Canvas
2009년 12월 13일 National Gallery of Art 에서 촬영
워싱턴 디씨의 국립 미술관 (National Gallery of Art)에 걸려있는 프렌더개스트의 작품입니다. 한 소년이 아빠와 함께 손을 잡고 미국 사실주의 화가들의 작품 구경을 하면서 슬슬 지나가다가 이 그림 앞에 서더니 아빠에게 뭐라고 종알종알 이야기를 합니다. 어린이의 눈길을 잡아끄는 그림이었던것 같습니다. 아이들의 사랑을 받는 그림. 그래서 저도 그림 앞에서 기념사진 한장 찍어봤습니다. 저도 이런 그림 한장 갖고 싶어요.
Landscape with Figures (1921)
여러가지 모양이 있는 풍경
Oil on Canvas
2009년 10월 3일 워싱턴 코코란 미술관에서 촬영
Landscape with Figures (1918-1923)
여러가지 모양이 있는 풍경
Oil on Canvas
2009년 10월30일 디트로이트 미술관에서 촬영
제가 가지고 있는 몇장 안되는 그림들을 제작 연도 순서대로 배열을 했는데요, 시간이 갈수록 그의 붓 터치가 세밀하고 조밀해지지요? 아무래도 수채화에서 유화로 넘어가면서, 그 이후로 그의 붓 터치가 깊이를 얻어간것도 같고요. 그럼에도, 그의 그림들에 등장하는 풍경이나 사람들이 마치 '동일한 그림'의 반복처럼 느껴질 정도로 유사해 보입니다.
이들 그림에 나타난 몇가지 공통적인 현상을 나열해볼까요?
1. 가장 확연히 드러나는 것으로, 인물들의 얼굴에 이목구비가 생략되었습니다.
2. 사람이나 나무나, 풍경 전체가 율동하는 것처럼 보입니다. 정지된 풍경이 아니라 살아숨쉬는 여인의 가슴처럼 굴곡과 움직임이 있지요
3. 드레스를 차려입고 소풍을 즐기는 남녀들이 나옵니다. (후기에는 동물들도 포함됩니다).
4. 보시다시피, 모두 야외의 풍경이지요.
프렌더개스트의 전기 자료를 찾아보면, 프랜더개스트가 이탈리아 화풍의 영향을 입었다던가, 혹은 후기 인상파 점묘파 화가 쉬러(Seurat)의 영향을 받았다던가, 혹은 세잔느에 견주어지기도 하거니와, 나비파 보나르, 뷔야르의 영향도 제기가 되기도 합니다. 어찌보면 당시의 유럽에서 활발하게 활동하고 있거나 혹은 널리 알려진 화가들의 작품이, 혹은 그들과의 교류가 프렌더개스트의 예술세계에 직간접으로 영향을 끼쳤을것은 자연스런 현상일수 있습니다. 그런데, 프랜더개스트는 단지 이쯤에서 주저않은 화가는 아닌듯 합니다. 그는 '자기 그림'을 만들어 낸 것으로 보입니다. 무슨 말씀인가하면, 누구의 어떤 화풍의 영향을 받았건 안받았건, 프랜더개스트는 이런 모든 '영향'을 초월하여 '이것은 프랜더개스트다'라고 할만한 화풍을 스스로 만들어 냈다고 하는 것이지요.
모리스 프랜더개스트는 1859년에 태어나 1924년에 사망했으므로 만 64년을 지구상에 머물렀다 할 수 있는데, 그는 평생 독신이었다고 합니다. 성격이 수줍고 조용하여 사교적이지도 않았고요. 본격적인 미술 수업을 나이 서른에 받기 시작한 이래로 죽을때까지 그림만 그렸으니 30여년간 미술가로 살다 간 셈인데, 그는 평생 '그림 생각'만 했다고도 알려져 있습니다. 액자를 만들어 파는 일을 했던 그의 동생 찰스가 평생 그의 후원자가 되어주었지요. 결혼도 안하고, 사교적이지도 않고, 그림만 즐겨 그린 이 조용한 사람은 어쩌면 평생 '관찰자'로 살아간것일지도 모릅니다. 사람들에게 다가가지 않는 그의 성격은, 늘, 사람들을 어떤 풍경속의 일부로 파악을 했을것도 같고요. 그런 그에게 사람들의 이목구비, 사람들의 표정, 그런것들은 큰 의미가 없었을지도 모릅니다. 그에게 '사람들'은 '풍경'으로 머물렀을겁니다. 그러니 그의 풍경화의 제목마저 Landscape with Figures (모양으로 이루어진 풍경화)라는 식으로 붙여졌겠지요.
미술평론가들은 이러한 그의 그림을 '사실주의'가 아닌 '추상적' 화법의 도입이라고 정리를 하기도 하는데요, 어쩌면 세잔느가 그러했듯 구체적인 관찰과 묘사, 혹은 인상(impression)을 넘어선 해체와 추상의 장으로 진입을 의미하는지도 모르겠지만, 제가 보기엔 그냥 그의 삶이 그러하였던 것 같기도 하다는 것이지요. 다른 별에서 온 생명체가 멀찌감치서 풍경을 관찰하듯, 풍경속의 인물들도 풍경의 일부로 피상적으로 관찰을 했겠지요.
모리스 프랜더개스트는 1914년에 뉴욕으로 활동지를 정하고 The Eight 의 멤버였던 윌리엄 글랙슨즈의 윗층 (50 South Washington Square, New York)으로 이사를 합니다. 서로 이웃사촌으로 지냈다는 얘기지요.
제 소견으로는 The Eight 의 멤버였던 William Glackens 는 '르누아르의 아류'에서 끝난 화가로 보이고, Maurice Prendergast는 유럽화풍도 공부했고, 유럽화풍의 영향권안에 있었지만, '프랜더개스트'만의 독특한 세계를 완성하고 떠난 화가로 보입니다. 그의 그림을 보면, 딱, 답이 나오쟎아요, 아! 프랜더개스트!
2009년 12월 11일 redfox
후기: 모리스 프렌더개스트는, 사실, 저에게는 '듣보잡'과에 속하는 그림들이었음을 고백합니다. 제가 무지한 관계로 미술관에서 그의 그림을 발견했을때, 그냥 별 감흥없이 쓱쓱 지나쳤다는 것이지요. 미술관 이곳저곳에서 그의 그림을 보면서도, 프랜더개스트를 기억하기보다는 '저 그림 어디서 봤더라? 전에도 비슷한 것을 본적이 있는데...' 이정도로 생각하고 그냥 지나치는 정도였습니다. 그런데, The Eight 을 정리하느라 제가 갖고 있는 그림자료들을 정리하다보니, 어라? 이 사람 내가 제법 여기저기서 눈도장 찍은 사람이네! 거기서 끝나는 것이 아니라...어 그런데 그림 모아놓고 보니 매력있네! 뭔가 개성이 보이네! 이렇게 되더라구요. 그러니까, 자세히 들여다보게 되고, 자세히 들여다볼수록 더욱 매력이 느껴지더란 것이지요. (모르고 죽었으면 억울할뻔 했네~ )
누군가를 새로 알아간다는 것은 참 흥미진진한 일입니다. 그것이 꼭 살아있는 사람이 아니라해도... 아니 어쩌면 그 대상이 살아있는 사람이 아니라서, 무엇을/누군가를 새로 알아가는 작업이 안전하고도 유쾌한 작업이 될지도 모릅니다. 산사람은, 알게되면 정들고, 혹은 싫증나고, 그러면 괴롭죠. 그냥 어떤 대상은 알면 알수록 유쾌해지지요. 싫증나면 떠나면 되고. 상처가 안남죠. 프랜더개스트도 혹시 그랬던걸까? 그는 상처받지 않기 위해 관조자, 관찰자로만 머물렀던걸까?
William Glackens (1870-1938) 는 The Eight 의 멤버인 John French Sloan 과 고등학교 동창이고, 펜실베니아 미술학교에서도 함께 미술을 공부했으며, 슬로언의 소개로 로버트 헨라이와 만나게 되어 절친한 관계를 유지하게 됩니다. 글랙슨 역시 슬로언과 마찬가지로 여러가지 매체에 '삽화'를 그리는 것으로 생계를 해결했습니다. 아무래도 대중적인 신문이나 잡지에 필요한 삽화를 그리는 작업이 이들을 사실주의적 화법으로, 대중의 삶에 다가가게 하는 요소가 되었을 것입니다.
La Villette (c. 1895)
2009년 11월 7일 카네기 미술관에서 촬영
1895년에는 헨라이, 슬로언을 위시한 미술가들과 함께 유럽 여행을 하기도 했고요, 헨라이와 함께 파리에서 일년간 머무르며 파리의 예술을 익히기도 합니다. 시골에서 서울로 유학을 가듯, 당시 미국의 미술가들은 파리나 다른 유럽의 도시로 미술을 공부하러 가는 것이 대세였습니다. 글랙슨 역시 헨라이의 영향으로 일상의 대중의 모습을 그려나가기도 했고 2008년 The Eight 전시회에 참가하기도 했지만, 그는 헨라이의 영향권 아래에 오래 머무르지는 않았습니다. 오히려 르누아르와 같은 프랑스 인상파 화가의 화풍을 추구했던 것으로 보입니다.
La Villette 는 프랑스 파리의 풍경입니다. 강변에 사람들이 있고, 높은 구름다리도 보입니다. 1895년, 프랑스 파리에 처음 간 25세 청년의 작품입니다. 도시인의 풍경을 관찰자의 입장에서 그리고 있지요.
Boys Sliding (미끄럼 타는 소년들) c. 1900
Oil on Canvas
2010년 1월 9일 델라웨어 미술관에서 촬영
색조는 대체적으로 '어두운' 편인데요, 이게 뭘까? 궁금해서 들여다보면 아슴프레한 가운데, 언덕에서 미끄럼을 타는 아이들과, 언덕 아래에서 줄넘기를 하고 노는 소녀들이 보입니다. 언덕위에서 신사 혼자서 물끄러미 내려다보고 있군요. 같은 시기에 그려진 저 위의 풍경화와 분위기가 비슷하지요?
1904년 결혼한 글랙슨스는 파리로 신혼여행을 갔고, 그 이후로도 프랑스와 유럽의 도시들을 자주 드나들었는데, 파리의 룩상브르그 정원을 그림에 담았습니다. 프랑스의 중상류층 사람들이 한가롭게 공원에서 시간을 보내는 장면입니다.
Luxembourg Garden (1906)
2009년 10월 3일 코코란 미술관에서 촬영
Beach Umbrellas at Blue Point (1915)
2009년 10월 3일 스미소니언 렌윅 갤러리 (미국 공예 박물관)에서 촬영
Bath Houses, (욕실들), c. 1915
Oil on Canvas
2010년 1월 9일 델라웨어 미술관에서 촬영
저 위의 스미소니언 소장 작품과 이 'Bath Houses'그림의 '장소'나 색감이 비슷하죠. 제작 시기도 비슷하고요. 극히 개인적인 소견입니다만, 위의 바닷가풍경은 함께 활동했던 프랜더개스트의 그림을 연상시키고, 이 욕실들 그림은 타히티 여인들을 즐겨 그렸던, 폴 고갱의 아름다운 색감을 연상시킵니다.
그의 1927년작 Promenade (산책)는 얼핏 루누아르의 화사함을 연상시키지요?
The Promenade (1927)
Oil on Canvas
2009년 10월 30일 디트로이트 미술관에서 촬영
글랙슨스는 The Eight 전시회의 회원이었고, 애시캔 그룹으로 활동을 하기도 했으며 평생 이들과 교분을 유지하였지만, The Eight 전시회 이후 헨라이의 영향권에서 벗어나 루누아르 풍에 가까운 자신만의 세계를 창조해 나갔다고 볼 수 있습니다. 그래서 그런지, 제가 전시장에서 눈으로 직접 봤던 그의 작품들은 '미국화'같지가 않아 보였고, 얼핏 보기에 '유럽 인상파 화가 그림같다'는 느낌을 줍니다. 어찌보면 '이도 저도 아닌' 작품들 같기도 한데요. 그래서 미술사적으로 크게 주목받지는 못하지요. 화가의 '정체성'이 그래서 중요하지요. 미국인은 미국적인 그림을 그릴때 정체성이 뚜렷하고, 한국인은 한국적인 무엇을 다룰때 정통적으로 보이지요.
며칠전에 아들놈이 학교에서 프레젠테이션을 했습니다. 각자 주제를 선택하여 전문가적으로 발표를 해야 하는 프로젝트였는데, 처음에 아들놈이 담당교수한테 '럭비'에 대해서 발표를 하겠다고 했답니다. 럭비선수를 한적이 있거든요. 담당교수가 '뜨아'한 표정이었다고 합니다. 그런데, 아들놈이 마음을 바꿔서, 태권도에 대한 발표를 하겠다고 했습니다. (태권도장에서 태권도 지도를 하는 유단자거든요). 그러자 담당교수가 '그것을 발표하라'고 흔쾌히 대꾸를 했다고 합니다. 아들놈에게는 '럭비'나 '태권도'나 모두 자신이 잘 설명할수 있는 분야였는데 교수가 볼때, 명백하게 '코리안'인 학생이 '럭비'에 대해서 설명하는 것 보다는 '태권도'에 대해서 설명하는 것이 훨씬 '전문가'처럼 보였을 것이지요. 아들녀석은 태권도복까지 갖춰 입고 프레젠테이션을 했고, 좋은 점수를 받았다고 합니다.
교수를 '인종주의자'라고 탓 할 생각은 없습니다. 가령 '일본인'이 유도복을 입고 설명을 하면 어쩐지 그 사람이 유도의 전문가처럼 보이겠지만, 아프리칸이 유도복을 입고 설명하면 어쩐지...아닐것 같다는 느낌이 들테니까요. 그냥 '눈으로 보기에' 얼핏 그런 인상을 갖게 된다는 것입니다. 이것을 고정관념이라던가 '스테레오 타이핑' '인종주의'라고 비난만 할수는 없지요.
사람이 갖고 있는 인지구조는 본인 스스로도 통제가 잘 안되는 것이지요. 그리고 사람들은 대개 이런 설명 불가능한 요소들의 영향을 많이 받습니다.
미국인 글랙슨스가 아무리 근사한 그림을 그려도, 그것이 어쩐지 이도 저도 아닌, 유럽화가의 작품같은 애매한 분위기를 갖기 때문에, 저와 같은 '미국화란 무엇인가' 들여다보는 이방인의 눈에는 그저 애매할 뿐이지요. 음...저의 글도 참 애매해지고 있군요...
2009년 12월 7일 redfox
The Purple Dress (보라색 드레스) 1908-10
Oil on Canvas
2009년 12월 29일 스미소니안 미국 미술관에서 촬영
스미소니안 미국미술관에서 글랙슨스의 보라색 드레스 그림을 발견했을때, 얼핏, '저 그림 내가 어디서 봤는데...' 이런 느낌이 들었습니다. 그래서, 그림 파일들을 뒤져봤지요. 그리고, 제 느낌에 매우 유사해 보이는 그림을 발견했습니다. 저한테만 이런 느낌이 들지도 모르지만요.
Pierre Bonnard (1867년생-1947년 사망).
Misia on a Divan ca. 1907-1914
William Glackens 는 1870년생 (1938사망). Pierre Bonnard 는 1867 년 출생 (1947년 사망.) 두 화가 모두 비슷한 시기에 태어나 비슷한 시기를 살던 사람들이지요. 보나르는 프랑스 태생이고, 글랙슨스는 미국 태생이지만, 두 사람 모두 파리에서 미술작업을 하면서 조우했습니다. 글랙슨스의 자료를 보면, 그가 프랑스에서 인상파 화가들 나비파 화가들의 영향을 받았다는 내용이 나옵니다. 나비파화가로 우리에게 친숙한 사람들이 뷔야르와 보나르 이지요. 이 두 사람은 미국의 큼직한 미술관에 가보면 늘 함께 붙어다닙니다. 보나르 그림 곁에 뷔야르 그림이 있습니다. 늘 함께 있습니다. 마치 오스트리아의 화가 클림트와 에곤 쉴레 두 사람의 그림이 짝짝꿍이 되어 붙어 다니는 것처럼. (클림트와 에곤 쉴레 역시 서로 불가분의 관계이지요. 클림트가 에곤 쉴레의 후견인, 스승이 되어주긴 했으나 이들의 관계가 일방적이었다고 보기는 힘듭니다. 서로 영향을 주고 받았지요... 유럽 미술은 이쯤에서 ....) Nabis 는 '예언자'라는 뜻의 히브리 말이라고 합니다. 신비하고 독특한 붓의 터치와 색감을 유지 했는데요. 글랙슨스 역시 이들의 작품 세계를 인지하고 영향을 받았을 것으로 보입니다. 두 작품의 제작 연대도 거의 일치하지요.
뭐 두 여자 주인공들의 표정보다는, 그림 전체에 흐르는 붓의 터치와 전체적인 색감이 제게 매력적으로 보입니다.
(제가 보나르의 '광팬'쯤 되는데... 제가 보나르를 좋아한다는 것을 ...우리 식구들은 별로 좋아하지 않습니다. 특히 제 남편은, '하고 많은 화가중에 왜 하필 그런 그림이 좋은가' 의아해 하지요. 제 남편은 보나르의 그림이 정신병적이라고 싫대요. 내 눈엔 이쁘고 아름답고 신비로운데... 보나르가 좀 정신병적인 면이 있지요. 정신병자같은 여자를 수십년간 지성껏 돌보며 외톨이처럼 살다 간 화가거든요. 보나르의 그림에는 목욕하는 여자가 등장하고, 욕조 주변의 여자의 풍경이 다수인데 그 여자는 평생 욕조에서 살다 갔대요. 무슨 질환 때문에 그랬다는데, 보나르는 그 여자를 평생 돌봤고요. 저는 클림트의 그림을 보면 -- 차멀미같은 멀미를 느낍니다. 느끼해서 빙빙 도는것 같아요. 현기증이 날정도로 아름다우면서도 느끼하죠. 제가 클림트의 그림을 보면서 기분나빠하듯, 제 남편은 보나르의 그림이 기분 나쁜가봅니다. 아... 사람이 다 제각각이고, 각자 자기상처를 핥고 사는 짐승이라, 뭐 그렇다는거죠.)
화면 오른쪽에서 두번째 그림. 그것이 보라색드레스 그림입니다. (2009년 12월 29일 스미소니안 미국미술관 2층에서 촬영). 오른쪽의 발레 그림은 Everett Shinn, 왼쪽 풍경화는 Robert Henri, 왼쪽 설경 그림은 Rockwell Kent, 그 곁에 잘 안보이는 그림은 George Luks. 모두 미국 사실주의 화가들입니다.
글랙슨즈 그림을 연대순으로 정리했는데요, 위에서부터 차례차례 내려오다 보면, 그의 그림이 초기에는 어두컴컴하다가 점차 밝고 화사해져 간 것으로 보입니다. 저는, 밝은 색감을 좋아하는 편입니다. 어두운건...싫더라구요. (나의 어둠만으로도 나는 지쳐있으므로...어둠에서 밝음을 지향하는거죠, 하하, 옛날에 우리나라 정보기관의 슬로건 아니었나요? 우덜은 어두운곳에서 밝음을 지향한다라던가 뭐라던가...저는 정보기관은 무조건 무서워요. 무서워요. 무서워요.~~ )
2010년 1월 4일 내용 보충 redfox.
2010년 1월 18일 내용 보충 redfox.
소년가장 슬로언
John French Sloan (1871-1951)은 펜실베니아 태생의 미국 사실주의 화가로 Henri 를 중심으로 모인 Ashcan (애시캔) 그룹과 The Eight (8인회)의 멤버로 활동하였습니다. 존 슬로언은 필라델피아에서 성장하였는데 그의 고등학교 동창중에 후에 The Eight 의 멤버가 되는 William Glackens를 만나게 됩니다.
1888년 그가 16세 되던해에 아버지가 정신질환으로 쓰러지면서 슬로언이 집안의 생계를 책임져야 하는 소년가장이 되고 맙니다. 그는 책방에서 일하면서 틈틈이 책을 읽고 화집을 들여다보며 혼자 그림을 그리던중 정식으로 야간 미술 과정에 입문하게 되고 후에는 펜실베니아 미술학교에 진학하게 됩니다. 여기서 그는 Thomas Pollock Anschutz 의 지도를 받게되며 고등학교 동창이었던 Willaim Glackens 를 다시 만나게 되지요.
1892년 Robert Henri 를 만나게 되는데 이때부터 이들의 연대가 시작됩니다. 슬로언는 The Philadelphia Press 의 미술부에서 삽화가로 일을 하며 미술 작업을 계속해 나갑니다.
슬로언의 아내
슬로언은 아내와의 관계도 '소설'적인데, 그의 아내 Anna Maria 를 술집에서 만나서 사랑에 빠져 1901년에 결혼하게 됩니다. 안나 마리아는 백화점 점원으로 일했지만 매춘 경력이 있으며 음주벽이 있고, 아마도 이러한 전력을 거친 여성들이 보일법한 히스테리컬한 우울증도 보였던 것 같습니다. 슬로언의 아내에 사랑은 지극정성이었고 한 의사의 제안으로 1906년부터 1913년까지 매일 매일 자기가 얼마나 아내를 사랑하는지 일기를 쓰게 됩니다. (이런 남자 또 한명 있죠, 삐에르 보나르... 삐에르 보나르는 수십년간 목욕탕에서만 지내는 특수한 병을 가진 여인을 돌보며 한세상을 보냈지요. 삐에르 보나르의 그림에 빈번하게 등장하는 목욕하는 여자, 삐에르의 평생의 연인.) 그의 부인은 1943년에 죽고, 슬로언은 이듬해에 새장가를 갔으며 슬로언 자신은 1951년에 운명합니다.
슬로언의 사회주의 운동
1912년 그는 사회주의 성향이 강한 잡지 The Masses 에 미술 편집인으로 참가하며 다른 사회주의 사상이 강한 매체인 Call, Coming Nation 지를 위해서도 삽화를 그려줍니다. 특히나 그가 그린 1914년 6월호 The Masses 표지화가 지금도 자주 인용되거나 소개되곤 하는데요. (http://americanart.textcube.com/133 페이지에 Ludlow 학살사건의 이야기가 잠깐 소개된바 있습니다.) 그가 사회주의 사상에 심취했고 민중의 생존권에 많은 관심을 기울이긴 했지만, 예술가로서 슬로언은 '선전 (propaganda)'의 '도구'로 미술 작업을 하는 것을 좋아하지 않았다고 합니다. 사회정의를 위해 노력하는 것에는 긍정하면서도 예술이 '극단적인 정치선전의 도구'로 전락하는 것은 원치 않았다고 할만하지요. 그러면, 우리는 '예술만을 위한 예술'이 무슨 의미가 있는가 반문할수 있을텐데...제가 추측하기에, 슬로언은 아마도 그 주위의 '사회주의자'들의 어떤 행동들에 거부감을 가졌을법 합니다. 그 '어떤 사회주의자들'이 요구하는 '선전물'을 만들기 싫었겠지요. 그가 꿈꿨던 사회주의와 그가 속한 사회주의자의 무리들의 행동 양식이 일치하지 않았을것입니다. 그러므로 그는 그들과 거리를 두고 싶었을겁니다.
서민속에 서있던 남자
존 프렌치 슬로언의 작품세계는 크게
(1) 뉴욕의 풍경
(2) 대중의 삶의 풍경
(3) 잡지,책의 삽화가로서 작업한 세밀한 판화 작품들
으로 정리 될수 있습니다. 일단 그가 삽화가로 일했으므로 대중 생활 관련 묘사 작품들이 많은데, 이런 성향은 이미 십대에서부터 생계형 청년 가장으로 세상에 나아갔던 그의 삶의 이력을 통해서도 충분히 짐작이 갑니다. 그가 즐겨그린 도시 주변의 사람들의 모습, 가령 도심의 창가에서 빨래를 너는 여인이나, 건물 청소를 하는 아주머니들, 술집 풍경 역시 그의 삶과 밀착된 풍경이었을 겁니다. 특히나 20세기초의 뉴욕의 전철과 천철 주변 풍경은 그의 '전매특허'와 같은 주제라 할 수 있지요. 조지 벨로우즈 페이지에서 (http://americanart.textcube.com/198) 권투선수 그림을 즐겨그린 미국 화가가 누군가? 이런 퀴즈가 나오면 자동으로 '조지 벨로우즈'를 외치면 된다는 이야기를 한 적이 있지요. 마찬가지로, 미술관에서 '뉴욕 고가 기차' 풍경화가 멀리서 보일경우, 당신이 애인과 함께 미술관 구경중이라면 "저기 저 뉴욕 풍경속에 고가 기차 그림이 있는 저 그림 말야...저거 아마 존 슬로언이라는 화가의 그림일거야..." 하고 '아는체'를 해도 크게 실례가 안 될 것입니다.
뉴욕 고가 기차 (Elevated Train: EL)
The City from Greenwich Village (1922)
그리니치 빌리지에서 바라본 뉴욕
oil on canvas
overall: 66 x 85.7 cm (26 x 33 3/4 in.)
National Gallery of Art 에서 2009년 9월 촬영
이 그림은 비가 그친 겨울 저녁, 맨하탄 남단에서 바라본 맨하탄의 거리 풍경입니다. 고가기찻길 위로 기차가 불을 밝히고 지나가고 비에젖은 도로에 자동차의 불빛이 반사됩니다. 비가 갠것을 눈치채는 이유는 하늘이 부염하게 밝아 있다는 것이지요. 도시는 촉촉히 비에 젖어 있고 골목의 불빛은, 그것이 골목이라서 더욱 밝아 보입니다. 건물 옥상의 물탱크도 보이고, 다리미의 모서리같이 각진 고층 건물이 오른쪽에 보이는데, 건물에서는 불빛들이 새어나옵니다. 일층의 모든 창문은 손님들을 기다리는듯 환하게 불이 켜져있습니다. 옹기종기 걸어가는 행인도 몇명 보이지요. 그림의 전체적인 윤곽은 우리가 마치 몇층 건물에서 창밖을 내다보는 듯 합니다. 액자를 창틀이라고 생각하면, 우리는 창밖을 지긋이 내려다보는 기분이 듭니다.
다음 그림은 워싱턴 필립스 콜렉션이 소장하는 Six O'clock, Winter (1912) 라는 또다른 고가 기차 (EL) 풍경입니다. (제가 갖고 있는 사진 파일이 상태가 안좋아서 웹에서 얻어왔습니다.) 그런데, 이 그림속의 여섯시의 풍경은 오전일까요 오후 일까요? (제가 볼때는 오후 여섯이인것 같습니다. 왜냐하면... 그 단서는 나중에 말씀드리기로 하고요... ) 이 작품이 1912년작이고, '그리니치 빌지지에서 바라본 뉴욕'이 1922년 작품이므로, 두 그림 사이에는 10년의 세월이 존재합니다. 그런데 두 그림을 함께 놓고 보면, 1912년 작품은 고가기차 아래에서 올려다보는 시선이고, 1922년 작품은 위에서 내려다보는 각도이지요.
http://www.phillipscollection.org/research/american_art/learning/sloan-learning.htm
무료 커피
The Coffee Line (1905)
무료 커피를 받기 위해 줄서있는 사람들
2009년 11월 7일 피츠버그 카네기 미술관에서
뉴욕에서 무료 커피를 받기 위해 긴 행렬을 이룬 실업자들을 발견한 슬로언이 그려낸 겨울 저녁의 풍경입니다. 길에는 눈이 쌓여 있지요. 슬로언은 멀찌감치 떨어져서 이 어둡고 긴 행렬을 묘사 했습니다. 아마도 이러한 빈곤의 문제가 그를 사회주의 사상으로, The Masses 로 이끌었을 것입니다.
비가 들이치는 페리선
Wake of the Ferry, No. 1 (1907)
페리선의 물길
2009년 10월30일 디트로이트 미술관에서 촬영
지금도 뉴저지에서 맨하탄으로 출근하는 사람들중에 배(Water Taxi)로 강을 건너는 직장인들이 있습니다. 100여년전 뉴욕과 뉴저지를 왕래하는 페리선을 그린것은 당시로서는 '엉뚱한' 시선이었을겁니다. 비가 들이키고 물결이 거칠게 일고, 전체적으로 '내가 그 페리선을 탄듯' 심란한 기분이 드는 그림입니다. 오른쪽 구석에 서있는 여인도 그래서 심상치 않아 보이는데요.
이 그림은 그림의 심상치 않은 분위기 만큼이나 심상치 않은 운명을 타고 났습니다. 슬로언은 1904년에 뉴욕으로 활동지를 옮겼는데, 그의 알콜중독자 부인은 이후로도 걸핏하면 필라델피아의 집으로 가버리곤 했던 모양입니다. 그의 아내가 필라델피아로 가기위해 이 페리호를 종종 이용했지요. 결국 이 그림속의 여인은 슬로언의 알콜중독자 아내의 뒷모습이었던 것인데요. 1907년에 슬로언이 그의 작업실에서 The Eight 전시회를 준비하기 위해 모임을 갖고 있었을때 부인이 들이닥쳤다고 합니다. (남자 작업장에 여자가 허락도 안받고 나타난거죠, 아마 그렇겠죠.) 술도 몇잔 마셨겠다, 화딱지가 난 슬로언이 그 자리에서 의자를 집어던져가지고 이 그림이 상처를 입었다고 합니다. 그래가지고, 나중에 이 그림을 또다시 그리게 되는데 그 (2)번 그림은 필립스 콜렉션에 소장되어 있고, 이 (1)번 그림은 슬로언이 (2)번 그림 그린후에 손을 봐서 오늘에 이르렀다고 합니다. (Beal 2002). 아무래도 이런 뒷 이야기를 듣다보면, 이 페리선의 풍경이 슬로언과 그의 아내의 풍경이었다 싶기도 하지요.
이상에서 보신바와 같이 대도시의 뒷골목의 삶의 풍경, 이런 풍경은 Henri 가 주도했던 Ashcan 일당들의 주요 소재라 할 수 있습니다. 21세기를 살아가는 우리들의 시각에서 '이런 그림이 뭐가 대단한가?' 의구심이 들 수도 있을것입니다. 그런데 이 그림이 그려진 1922년 미국 화단의 상황속에서 이 그림의 의미를 생각해보면 우리의 생각은 달라질수도 있습니다.
미국의 미술의 역사는 유럽에 비해서 '일천'할수밖에 없지요. 제가 에드워드 힉스나 조쥬아 존슨과 같은 초기의 '포크 아트' 작가들에 대하여 애정을 갖고 소개를 한 이유가 있는데요, 미국은 초기에 유럽 강대국들의 '식민지'였고 유럽 문화권의 식민지이기도 했습니다. 미국 자생의 문화가 없었다고 봐야지요 (아메리카 인디언 문화를 제외하면). 그래서...Henri 를 위시한 '사실주의' 화가들의 탄생 이전의 미국 회화사는 '유럽 베끼기'의 연장이었다고 할 수 있습니다.
제가 장차는 미국의 인상주의나 그 이전의 풍광, 초상와 위주의 미술과 미술가들을 차례로 소개하겠지만, 제가 왜 이들부터 시작을 안하고 풍속화가 잠깐 건드리다가 '사실주의'로 점프를 해버렸는가하면, 미국의 사실주의 화가들 이전의 작가들에게서 제가 별 매력을 못 느끼기 때문입니다. 뭐 대략 사이비 유럽미술 냄새가 고약하게 난다는 느낌이 드니까요. 제가 감지하기에 미국의 사실주의 화파들부터, 미국의 미술은 자신의 정체성을 슬슬 세워갔다고 볼 수 있습니다. 이들에서부터 미국의 풍경이, 미국의 서민이 화면의 중심에 슬슬 등장을 했다는 것이지요. 그래서 슬로언의 전철 그림과 도심 그림이 매력적으로 비쳐지는 것이지요. (이것은 미국인이 아닌, 아시아 출신의 어느 외국인이 이방인의 시각으로 미국 미술을 보는 관점이긴 합니다.)
Yeats at Petitpas'
이 그림은 뉴욕 웨스트 사이드의 어느 하숙집에서 열린 파티 장면입니다. Petitpas 는 프랑스 출신의 두 자매가 경영한 하숙집 이었습니다.
이곳에 영국의 철학자이며 예술가였던 John Butler Yeats (존 버틀러 예이츠 1839-1922)가 머물렀는데, 그는 영문학도들에게 (그리고 교양 차원에서 영시를 읽은 사람들에게) 친근한 시인 William Butler Yeats(1865-1939) 의 아버지입니다. 존 버틀러 예이츠는 69세 되던 해에 뉴욕으로 이주하여 '애시캔' 화가들과 친교를 맺었고, 결국 뉴욕에서 사망하여 뉴욕에 뼈를 묻었지요. 그러고보면, 그의 아들 윌리엄 버틀러 예이츠는 '유럽'문화를 이상화 했는데, 아버지인 자신은 말년에 문화 불모지와 같은 뉴욕에 와서 세월을 보내다가 갔군요.
흰 턱수염의 노인이 존 버틀러 예이츠이고, 오른쪽 끝에 보이는 검은머리 남자가 존 슬로언이군요. 음식을 들고 서있는 이는 하숙집 주인이고요, 그이의 왼쪽에 모자를 쓴 여인이 슬로언의 부인이라고 합니다. 존 버틀러 예이츠가 이 하숙집에 머무는 동안 이곳은 당시 미술, 문학을 사랑하는 젊은이들이 즐겨 모이는 장소로 유명했다고 합니다.
Yeats at Petitpas' (1910)
Oil on Canvas
워싱턴 Corcoran 미술관에서 2009년 10월 3일 촬영
해부학교실
존 슬로언은 펜실베니아 미술학교에서 Anschutz 선생의 지도를 받았는데, 다음 작품은 해부학 강의를 하는 안슈츠 선생을 에칭 판화로 묘사한 작품으로 보입니다.
Anshutz on Anatomy (1912)
해부학 교실의 안슈츠 선생
Etching
필라델피아 미술관에서 2009년 9월 19일 촬영
제 사진 상태가 좋지 못해서, 웹에서 좀더 선명한 이미지를 빌려 왔습니다. 강단아래에 안슈츠 선생이 서서 강의를 하고 있고, 강단위에 인간 골격이 서있고, 그 옆에 성기만 가린 남자 누드 모델이 서있습니다. 그리고 학생들이 둘러 앉거나 서서 해부학 강의를 듣고 있는데요. 학생들중에 여학생도 보입니다. 아마도 여학생들이 없었다면 남자 누드 모델이 성기를 가리지 않아도 되었을 것입니다. 1900년대 초반에 미국 미술 학교에서는 남녀학생이 함께 작업하는 곳에서는 누드 모델이 성기를 드러내면 안되었다고 하지요.
슬로언에 관심이 많아 자료를 많이 보긴 했는데, 막상 제가 가진 작품 사진 파일이 미미하여 그의 미술 세계를 구체적으로 생생하게 소개할수 없어 안타깝게 생각합니다. 저는 화집이 아닌 '내 눈'으로 본 것을 중심으로 이야기를 하기로 작정을 했거든요. 나중에라도 슬로언 작품들이 보이면 보이는대로 잘 갈무리하여 좀더 그에대한 이야기를 이어나가고 싶습니다. 화집에서 본, 제가 좋아하는 그의 작품들로는 그의 '빨래'관련 그림들인데요. 슬로언이 도심에서 빨래를 널거나, 걷거나 하는 여인들을 모티브로 그린 그림이 많이 있습니다. 참 아름답지요. 그래서 '빨래' 주제의 페이지를 하나 만들고 싶다는 생각도 했었는데요, 이것 역시 훗날로 미루기로 하겠습니다.
참고문헌:
1. http://www.nga.gov/fcgi-bin/tinfo_f?object=52079
2. Sherry Babbit (2008). Philadelphia Museum of Art: Handbook of the Collections. Philadelphia, PA.
3. Graham W. J. Beal (2002) American Beauty: Paintings from the Detroit Institute of Arts 1770-1920. Scala Publishers Ltd. London, UK.
2009년 12월 6일 red fox
New York (1911)
George Bellows
Oil on Canvas
2009년 9월 11일 워싱턴 국립미술관 (NGA)에서 촬영
사진은 클릭하시면 크게 확장시켜 보실수 있습니다.
뉴욕풍경
Goerge Bellows (1882-1925) 의 New York (1911)은 대략 100여년전의 뉴욕 풍경을 담고 있습니다. 자동차와 마차가 뒤섞여 있고, 고층 건물들과 그제나 이제나 여전한 인파가 보입니다. 사실 이 뉴욕의 풍경은 사진과 같은 실제 광경은 아니라고 합니다. 뉴욕의 여러 장면을 뒤섞어서 뉴욕의 분위기를 전달했다고 봐야겠지요. 얼핏 보면 타임 스퀘어 같기도 하고 얼핀 보면 펜스테이션 앞 같기도 하고, 어찌됐거나 우리가 한번쯤 가봤거나 혹은 영화나 그림을 통해서 지겹게도 많이 본 뉴욕 번화가를 많이 닮아 있습니다. 일백여년전의 풍경이라고 하지만 사람들의 복장이나 마차 장면을 제외하면 어느 화가가 며칠전에 그린 것이라고 해도 그럴싸해 보입니다.
조지 벨로우즈 (1882-1925)는 앞서 소개드린 The Eight (팔인회)나 Ashcan (애시캔) 그룹의 정식 회원으로 활동을 한적은 없습니다. 그렇지만 The Eight, Ashcan school 의 리더였던 로버트 헨라이 (Robert Henri 1865-1929)와 친분이 두터웠고, 헨라이의 미술관에 영향을 많이 받았고, 그의 작품들이 팔인회, 애시캔 회원들의 화풍과 통했기 때문에 조지 벨로우즈를 '애시캔'의 일원으로 평가하는 비평가들도 있습니다. 저 역시 그의 작품들이 미국의 도시, 서민들의 풍경을 사실적으로 그려냈으므로 조지 벨로우즈를 애시캔 그룹을 이야기하면서 함께 정리를 해보는 것입니다.
조지 벨로우즈는 오하이오(Ohio) 의 주도(행정수도)인 콜럼버스 (Columbus) 태생입니다. 이곳에 오하이오 주립대 (Ohio State University)가 있지요. 그는 오하이오 주립대에서 주로 야구선수와 교지 삽화가, 그리고 잡지의 삽화가로 활동했습니다. 오하이오 주립대에 한번 가본적이 있지요. 제 친구들이 그곳 수학과에서 공부를 했는데, 한 친구는 공부 마치고 수학자로 살고 있고, 또 한 친구는 아직도 거기서 공부중입니다. (글 쓰다가 친구 생각을 하니 기분이 좋아집니다.) Robert Henri 역시 오하이오 출신인데 그는 신시내티에서 태어났습니다. 그러므로 아마도 조지 벨로우즈와 로버트 헨리가 고향이 가까웠다는 이유로 더욱 친근감을 느꼈을지도 모르겠습니다.
조지 벨로우즈는 스포츠맨이었다고 할 수 있는데, 오하이오 주립대를 졸업한 후에 프로야구 선수가 될것인가 잡지 삽화가로 살것인가 고민하다가, 미술 수업을 받겠다고 작정하고 뉴욕으로 가게 됩니다. 거기서 뉴욕 미술학교 선생으로 재직하는 로버트 헨라이를 만나게 되고 그의 영향을 받게 됩니다.
조지 벨로우즈는 특히나 그의 권투경기 장면이 그의 대표작이라 할 만 합니다. 그의 도시 풍경이나 다른 그림들도 그 나름의 힘과 역동성이 느껴지지만, 단답형 상식 퀴즈 대회에서 '권투하는 그림' 내 놓고 '이거 그린 사람?'하는 퀴즈가 나온다면 자동으로 '조지 벨로우즈!'을 외칠만 하다는 것이지요. 그래서 그의 그림 세계를 단순무식하게 정리해본다면 대략 세가지 정도로 분류가 됩니다:
(1) 그를 대표하는, 권투선수 시리즈
(2) 도시 주변의 풍경과 서민의 삶
(3) 일반 서민의 초상화
제가 미술관들을 돌면서 '사냥'한 그의 작품 사진들을 주제별로 소개해 보겠습니다.
권투선수
Both Members of This Club (1909)
두 선수
Oil on canvas, 45 1/4 x 63 1/8 in. (115 x 160.5 cm)
2009년 9월 11일 National Gallery of Art 에서 촬영
흰색의 하일라이트가 들어간 왼쪽 선수, 얼굴에 피가 낭자합니다. 오른쪽 선수, 치고 들어가는 대각선 구도가 역동적이지요. 반대방향의 대각석 구도의 관객 풍경이 그림의 중심을 잡아줍니다. 피가 낭자한 가운데, 아래 중앙의 관객은 입을 벌리고 웃고 있는 것 같습니다. 난리가 났습니다. 권투선수가 피를 흘리거나 말거나, 관객의 입장에서는 링에서 피가 튀고 살점이 튀고 누군가 되게 쓰러지고 그래야 신이 나는 법입니다.
웹에서 조지 벨로우스 이미지를 찾아보시면 이와 유사한 다른 권투경기 장면 그림들을 많이 발견하실수 있습니다. 그 그림들을 들여다보고 있으면, 조지 벨로우즈의 권투경기 그림을 찾아 천지를 유랑하며 돌아다니고 싶다는 생각까지 듭니다.
어릴때, 할아버지가 권투중계의 팬이었습니다. 할아버지는 권투중계의 일정을 일일이 표시해놓고, 그의 일기장에 적어놓고 절대 빼놓지 않고 들여다봤습니다. 아마도 돌아가실때까지 그러셨을겁니다. 단지 중계방송만 보신것이 아니고, 서울 우리집에 오시면, 어린 우리들을 이끌고 월곡천 건너, 시장통에 있는 '체육관'에 구경을 가곤 했습니다. '체육관'이 뭐하는데냐 하면 당시 무명 아마추어 선수들이, 혹은 권투선수 지망생들이 모여서 연습하는 '도장'이다 이거죠. 우리들은 거기서 밤이 이슥하도록 창문 너머로 사람들이 서로 치고받고, 혼자 줄넘기하거나 혼자 샌드백 치면서 훈련하는것을 구경했습니다. 그 당시에는 체육관에 따로 '탈의 시설'이 없었던것 같습니다. 가끔 우리는 잘생긴 '오빠'들의 (그때 나는 꼬맹이였으므로) 실한 엉덩이 구경도 할수 있었는데, 선수들이 체육관의 구석진곳에 가서 옷을 갈아입었거든요. 그 구석진 곳이 하필 우리가 염탐하던 창가였으므로 그들이 창가쪽 구석에서 후다닥 바지를 내리고 체육복으로 갈아있거나, 체육복에서 평상복으로 탈바꿈하는 광경을 볼 수 밖에 없었지요. (일부러 그런게 아니고요 -.-;; ) 아니...엉덩이밖에 안 봤습니다... 헤헤헤.
어릴때는 할아버지가 권투중계 보시는 것이 못마땅했는데요, (왜냐하면 내가 어린이 프로를 볼 수가 없으니까) 지금도 그런 스포츠 중계에 재미를 못느끼므로 여전히 볼 일이 없는데요, 하지만 이 그림은 제 맘에 듭니다. 조지 벨로우즈가 무슨 맘으로 이런 그림을 그렸는지는 모르겠지만, 이런 권투 장면을 그의 그림 소재로 잡았다는 것 자체가 당시로서는 '신선한' 시도였고, 결국 그의 트레이드마크 (Signiture) 작품이 되고 말았지만, 그것 말고도, 이 그림을 보고 있으면 인생 이렇게 치고 받고 맞다가 뻗는거지...하는 비감한 생각도 들고, 누구나 그런거지, 나만 유독 두드려 맞는것도 아니지, 이런 위안감이 든다니깐요, 글쎄.
2009년 12월 13일, 국립 미술관에 가서 조지 벨로우즈의 Both Members of This Club (1909)라는 작품을 다시 감상하고 있었는데요, 마침 미술관 도슨트(Docent 전문 안내원)가 사람들을 이쪽으로 안내해와서 이 그림에 대한 설명을 하더군요. 그래서 곁에서 귀동냥을 했지요. 새로 알게된 사실은, 1900년 초반 당시에는 상업적으로 복싱 경기를 하는것이 '금지'되어 있었다고 합니다. 그러니까 이것은 공개적인 복싱매치가 아니고, 남성들의 '음성적인' 클럽에서 진행된 경기였다고 합니다. 그래서, 제목도 Both Members of This Club (이 클럽의 두 회원)이라는 식으로 달린 것이라고 하네요. 두 '선수'라고 하면 안되고, 그냥 클럽의 회원간의 친선경기같은. 그러면 이 클럽에서는 복싱만 했겠는가? 다소 '음성적인' 클럽이었으므로 그 안에서는 복싱 말고도 다른, 다양한, 그러나 저로서는 전혀 알수 없는, 남자들만의 '음성적'인 오락이 진행되었겠지요~
뉴욕 빈민가의 아이들
이 작품은 위의 권투선수 그림보다 2년 앞서서 그려진 것입니다. 뉴욕의 East River 강변에는 그 당시 가난뱅이 이민자들이 많이 모여 살았다고 합니다. 우리나라 서울의 허술한 한강변 산동네를 연상하면 될 것 같습니다. 제목이 Forty Two Kids (42명의 아이들) 인데요 제목의 'kid'가 단순한 '아이들' 이 아닙니다. 아이들이라는 영어 단어로는 Children 이 따로 있지요. 요즘 Kids라는 단어를 '아이들'이라는 의미로 흔히 사용하기는 하지만 백여년전 이 kid 라는 말은 '슬랭'으로 대개 이민자 아이들처럼 가난뱅이 아이들을 일컫는 표현이었다고 합니다. 그냥 아이들이 아니라...말하자면...'애새끼들'이라는 뉘앙스가 있었다는 것이지요. =)
이 kids 라는 어휘를 저도 아주 조심해서 사용하는 편인데, 제가 교육을 전공했고, 학교에서 교사로도 일을했고, 그래서 대학원 수업을 들을때도, 온통 '아이들,' '학생들' 관련 이야기였지요. 그러니까 주로 사용하는 어휘가 students, children, ESL children, ESL students 뭐 이런 언저리였습니다. 그런데 어느날 무심코 지도교수와 논문 이야기를 하다가, "These ESL kids..." 뭐 이러고 말을 하니까 지도교수가 주의를 주었습니다. "우리는 학생을 존중해야 하는 교육자이다. students 나 children, learners 말은 우리가 사용하기에 적합하지만 kids 라는 말은 부적합해보인다." 그러니까 그 kids 라는 어휘가 아직도 품위있는 어휘로 취급을 받지 못하고 있다는 것이지요. (아, kid의 원뜻은 염소새끼 입니다.)
자 우리들의 조지 벨로우즈 선수(?)가 그 가난뱅이 뉴욕 빈민가의 이민자의 '애새끼'들을 화폭에 담았다는 것인데요. 정말 42명인지 한번 헤아려 볼까요?
Forty Two Kids (1907)
42명의 아이들
2009년 10월 3일 워싱턴, Corcoran 미술관에서 촬영
이 작품이 1908년 어느 전시회에 소개가 되었을때 평단의 반응은 싸늘하고 조롱기가 가득했다고 합니다. 뭐 이따위 그림을 그림이라고 그렸냐 이거죠. 가난뱅이 애새끼들이 허술한 강변에서 노는 것이 무슨 그림의 소재가 되는가 씹었을겁니다. 하지만 평단의 싸늘한 반응과는 달리, 이 작품은 곧 개인 콜렉터에게 팔려나갔는데, 이것이 조지 벨로우즈가 최초로 개인 콜렉터에게 판매한 작품이라고 합니다. 지금은 워싱턴의 코코란 미술관에 있지요.
이 그림을 보고 있으면 Bill Bryson 의 The Life and Times of the Thunderkid 의 일화중에서 전쟁이후 베이비붐 세대로 성장했던 작가 빌 브라이슨의 회고가 소개됩니다. 그가 과장되게 술회하기를, 전후 베이비붐 세대였던 자신들은, 어딜가나 애가 넘쳐나서, 그가 살던 아이오와 시 변두리의 강변에 가면 수천명의 아이들이 모여서 멱감기를 했다고 하는데요. 물론 조지 벨로우즈 그림속의 아이들은 1907년 8월의 아이들입니다. 베이비붐 세대보다 50년전에 '이민자 붐' 세대의 아이들이지요.
이 그림이 제게도 낯설지 않은 이유는, 비록 지구 정반대쪽 대륙에서 성장했지만, 저 역시 60년대 70년대 베이비붐 시대의 일원으로 변두리 가난뱅이 아이로 성장했다는 공통 분모 때문일것입니다. 우리 할머니나 어머니의 회고로는 '네 오라비나 네가 태어나던 시절에는 어느 집에서나 아기 울음소리가 들리고 어느집 여자나 배가 불러 다녔다. 애가 참 많이도 나왔다'고 합니다. 그 많은 애들이 뭘하고 놀았을까요. 사실 도심에서 성장했지만 저는 어린시절 골목에서 뭘 하고 놀은 기억이 별로 남아있지 않고, 즐겁게 논 기억은 모두 시골집에서였습니다. 여름 한철 시골 개울가에 가면 약속도 필요없이 아이들이 있었고, 우리들은 수영복도 없이 그냥 입은 옷을 벗어던지고 물에 들어가 놀았습니다. 제가 기억하기로 저는 초등학교 2학년때까지 옷을 벗고 개울에서 물놀이를 했습니다. (부끄러움이나 수치심을 아직 몰랐다는 것이지요) 여자아이나 남자아이나 그냥 물속으로 뛰어 드는 것으로 각자 부끄러운데를 가렸다고 생각하고 그냥 물장구를 치며 놀았다는 것이지요. 초등학교 3학년부터는 빤쓰라도 입고 물장구를 쳤고, 초등학교 5학년부터는 싸구려 나이롱 수영복을 입고 노는 '문명인' 반열에 들 수 있었지요.
제가 가끔 이런 저의 '야만적' 어린 시절 이야기를 하면, 서울이나 대도시의 비교적 부유한 가정에서 자라난 또래 친구들은 저를 '원시인' 쳐다보듯 바라보며 무슨 외계인이나 거짓말장이를 대하듯 휑한 표정으로 대합니다. 자기네로서는 도저히 믿기지 않는 풍경속에 내가 있었다 이거죠. 하하하. 사람들은 자기가 처한 환경을 '평균적' 환경으로 인지하는 경향이 있어서, 자신의 경험 영역 바깥의 일은 외계의 일처럼 받아들입니다. 그것은 '나'역시 피할수 없는 한계죠. 나 역시 그런 눈으로 남을 판단할 것이므로. 조지 벨로우즈가 '애정'을 갖고 변두리 아이들이 벌거벗고 노는 풍경을 그렸을때, 어떤이들은 '이것도 그림이냐'로 반응 할 수도 있는 겁니다. 그럴수도 있겠지요. 그래서 지구상에 전쟁이 사라지지 않는거죠...
첨언: 그런데 위의 42명의 아이들 그림이...어쩐지 Thomas Eakins The Swimming Hole(1885) 라는 그림을 연상시킵니다. 토마스 이킨스 (1844-1916)는 미국 사실주의 미술가들의 '대부'쯤되는, 후에 활동하는 사실주의 화가들 (The Eight, Ashcan)에게 가장 영향을 끼쳤던 미국화가라 할 만 합니다. 조지 벨로우즈가 선배 대가인 이킨스의 그림을 염두에 두었는지 아닌지는 알수 없으나, 참 닮았단 말이지요... ;-)
변두리의 푸른아침
멀리로 고층 건물들이 밀집한 것으로 보아 역시 뉴욕의 강변 풍경으로 보입니다. 역시 강변 부두에 뿌연 안개가 피어오르고 누군가 불을 피웠는지 흰 연기도 솟아 오릅니다. 대략 어느 추운 겨울 아침 강변의 모습처럼 보입니다. 왜냐하면 사람들이 웅크리고 있으니까요. 추우면 웅크리쟎아요. 이들의 하루는 오늘도 고단하게 흐를것입니다. 이들의 곤고한 풍경과는 달리 푸른 색조가 아름답지요?
Blue Morning (1909)
푸른 아침
Oil on Canvas
86.3 x 111.7 cm
2009년 9월 11일 National Gallery of Art 에서 촬영
다리밑 외딴 숙소
그림 오른쪽 구조물이나 그 위를 지나는 판으로 보아 이것은 다리(교각)의 일부 같이 보입니다. 그러니까 뉴욕시의 어느 커다란 다리 아래에 사람들이 모여있고, 그림의 중앙에 6층짜리 건물이 똠방, 대똑하게 서있습니다. 이곳이 그림의 제목이 되는 '외딴 숙소'인것 같습니다. 'tenement' 라는 어휘를 언라인으로 검색해보면 이런 의미가 소개가 됩니다. (http://www.thefreedictionary.com/tenement)
1. A building for human habitation, especially one that is rented to tenants.2. A rundown, low-rental apartment building whose facilities and maintenance barely meet minimum standards.
해석: (1) 세입자 임대용의 사람이 거주하는 건물
(2) 극히 기초적인 수준도 안되는 시설을 갖추고 있는 싸구려 아파트 빌딩
The Lone Tenement (1909)
외딴 숙소
Oil on Canvas
2009년 9월 11일 National Gallery of Art 에서 촬영
Georgia O'Keeffe
Cityscape with Roses
1932
oil
84 3/8 x 48 1/2 in.
Smithsonian American Art Museum, Gift of the Georgia O'Keeffe Foundation
1932년이면 미국의 경제 암흑기 입니다. 그 당시 조지아 오키프가 묘사한 뉴욕은 장미빛 아름다운 도시입니다. 작가의 작업 취향이야 각자 자유이고 조지아 오키프가 매력적인 화가임에는 틀림없으나, 조지아 오키프의 그림에 '사회성'은 존재하지 않습니다. 돈많은 사진가 스티글리츠의 사랑속에 경제적인 어려움도 모르고 예술에만 전념했겠지요. 조지아 오키프의 그림만을 들여다볼때는 그의 작품에 감탄을 하다가도, 그 당시에 혹은 그와 비슷한 시기에 태어나 활동하던 작가들과 비교해보면, 어딘가 조지아 오키프의 미술세계가 '공허'하다는 생각도 하게 됩니다. '사람'한테 관심이 없었던 사람 같다는 것이지요. 어쩌면 이러한 저의 비판적인 시각은, 사람이나 '세상'에 관심을 가진 저 자신의 취향에서 출발하는 것일수도 있을 것입니다.
그냥 문득, 조지 벨로우즈의 뉴욕 풍경 그림을 보다가, 그 속의 가난뱅이 애새끼들이라던가, 빈민들의 풍경이 그려진 그림을 보다가 문득, 조지아오키프의 뉴욕 풍경이 떠오르면서...아하...이들은 전혀 다른 세계에서 살았던거구나 이런 깨달음을 얻게 되는 것이지요.
National Gallery of Art 에 조지 벨로우즈의 그림이 걸려있는 풍경입니다. 왼쪽부터 '권투선수' '푸른 아침' 그리고 '뉴욕' 그리고 '쓸쓸한 숙소'가 차례차례 보입니다.
초상화들
다음은 크라이슬러에서 '사냥'한 그의 '피아노 앞의 엠마' 입니다. 엠마는 그의 부인입니다. 뉴욕의 미술학교에서 만났는데 엠마는 그림을 그만두고 피아노에 전념했다고 합니다. 위의 Blue Morning 에 보였던 그 푸른 빛이 이 그림에서 좀더 뚜렷하게 표현됩니다. 아, 조지 벨로우즈는 이런 색감의 푸른빛을 좋아했구나 추측하게 됩니다.
Emma at the Piano (1914)
피아노 앞의 엠마
Oil on Canvas
94x73 (가로세로)
2009년 11월 29일 버지니아 크라이슬러 미술관에서 촬영
조지 벨로우즈의 두 딸중 큰딸인 앤 입니다. 커튼과 허리 부분의 청색과 흰 드레스가 대조를 이루는데요. 역시 Blue Morning 이나 Emma at the Piano 에서 선보인 청색과 흰색의 대조가 이 그림에서도 나타납니다.
Anne in White (1920)
흰 드레스의 앤
147x108.9 cm
Oil on Canvas
2009년 11월 7일 피츠버그 카네기 미술관에서 촬영
조지 벨로우즈는 엠마와 결혼한 이후로 두 딸의 아빠가 되었는데, 아내와 딸들을 지극히 사랑했던 그의 그림의 소재가 도시의 풍경에서 가정적인 것으로 변모합니다. 그래서 43년의 짧은 생에서 그의 후기에는 초상화 작품들이 그려집니다. 물론 그의 초상화 작품은 그의 아내 혹은 그가 살던 마을의 마을 사람들, 이런 보통 사람들입니다. 그는 생계를 위해서 삽화 작업도 계속했고, 시카고 미술학교에서 교편을 잡기도 했습니다. 그는 '맹장'이 터져서 그만 요절을 하고 맙니다.
2009년 12월 5일 redfox
그의 마지막 작품들
Ringside Seat (1924)
맨 앞줄 관람석
2009년 9월 24일 워싱턴 허시혼 미술관에서 촬영
The Picnic (소풍) c. 1924
Oil on Canvas
2010년 1월 23일 볼티모어 미술관 미국화 갤러리에서 촬영
조지 벨로우즈 (1882-1925)는 43세의 나이에 (우리나라식으로 따지면 44세가 되던 해에) 맹장이 터져서 요절한 화가인데요, 위의 두 작품들은 1924년, 그가 죽기 전 1년전쯤에 그려진 것으로 보입니다. 위의 경기장 장면이 좀 뿌옇지요? 제가 사진을 잘 못 찍어서 그런것이 아니라 작품 자체가 흐릿한 등불 아래의 장면을 묘사하듯 노리끼리하게 아슴프레 합니다. 제가 허시혼에 여러차례 들렀는데, 볼때마다 저 작품은 좀 어딘가 노란 안개속에 있다는 느낌이 들게 합니다.
아래의 '소풍'역시 그가 죽기1년전의 작품으로 추정되는데요, 그림 분위기가 매우 독특합니다. (그림 클릭하시면 큰 이미지로 보입니다.) 저는 이 작품을 미술관에 갈때마다 본 편인데요. 그러니까 제가 조지 벨로우즈에 대해서 알기 전에도 이 작품을 알고 있었습니다. 작가가 누구인지 기억하지 못한채로 분위기가 특이한 작품으로 기억을 한 거죠.
제목이 '소풍'인데요, 전체적인 풍경이나 분위기는 암울하고, 음침하고, 곧 어디서 천둥 번개가 칠것같은 불안감을 줍니다. 갑자가 돌풍이 불것같기도 하고요. 물빛도 하늘빛도 심상치가 않아요. 구름조차도 예사롭지가 않고요.
가운데에는 소녀가 줄넘기를 들고 서 있고요, 그 아래에서 누군가가 마치 절벽에서 올라오는듯 손을 뻗치고 있죠. 낚싯대를 드리운 남자와, 피크닉 보자기를 펼친 여자가 왼편에 있는데, 오른편에는 한 남자가 사지를 벌리고 하늘을 향해 누워있습니다.
이 그림 앞에서서 이태전에 아이들과 대화를 한 기억이 있습니다. "그림이 세기말 적이야. 뭐랄까...암담해... 저 줄넘기를 들고 있는 소녀 말야, 저 줄넘기 이미지는 살바도르 달리도 그린적이 있고... 영원의 상징이라고도 해. 영원은 죽음과도 통한다는 거 알아? 죽음은 영원하쟎아. 줄넘기가 그리는 원, 그 원의 끝없는 회전, 인연의 굴레를 벗어날수 없음을 상징할수도 있고. 하필 줄넘기를 들고 언덕 가장자리에 서있는건 또 뭐니. 불안해보이쟎아. 전체적으로 참 불안해보여."
이 그림을 보면 벨로우즈가 즐겨 그렸던 청색 색조와 흰색의 하일라이트도 여전히 보이는데요, 신비로우면서도 스산하죠? 어쩌면 이것이 그가 사랑하는 두 딸과, 아내와 가졌던 인생 최후의 소풍이었는지도 모르죠. 그는 화면 오른쪽에 자신의 주검까지 그렸던 것인지도 몰라요. 그 자신은 그걸 의식하지 못했겠죠.
우리는 가끔 그런 얘기 하쟎아요. 어떤 사람이 죽었을때, 그가 죽기전에 나눴던 이야기나 일화들을 떠올리면서, "죽을걸 알고 그랬나? 그런 얘기를 하더라구..." 뭐 이런 얘기 하죠. 뭐 마치 죽을 사람처럼 유언처럼 몇마디 한 것이 마지막 말이 되기도 하고요. 생명은 자신이 언제 죽을지를 안대요. 우리가 의식하지 못할뿐 안다는거죠. 그래서 죽음을 예견하는 말이나 행동을 할 수도 있다고 해요 (그런 설도 있다는 것이지요). 그냥 그런 관점에서 그는 이미 그의 죽음을 예견한 그림을 남긴것이 아니었을까.... 볼티모어 미술관에서 이 그림을 다시 만났을때, 그리고 문득 그의 생몰연대와 그림의 제작 년대를 비교해보다가, 문득, 번개치듯 문득, 이런 쓸데없는 상상도 했다는 것이지요. 그런 상상을 하자, 이 그림이 품고 있던 신비로운 세기말적 느낌에 대한 해답을 얻은 기분이 드는겁니다. 그는...다가올...죽음을...그렸나봐...
2010년 1월 29일 내용 보충 RedFox
